sUma sacerdotisa

Pocos artistas han prosperado de manera espectacular sin estar tan inclinados hacia la industria discográfica, y pocos han sido tan talentosos como Nina Simone. El punto de inflexión en su carrera fue el rechazo del Curtis Institute of Music en 1953, que luego llegó a entender que tenía motivaciones raciales. Nina Simone, cuyo nombre de nacimiento es Eunice Kathleen Waymon, era una niña prodigio, y la gente de su natal Tryon, Carolina del Norte, había creado un fondo para ayudarla a convertirse en la primera concertista negra de Estados Unidos. El rechazo sorpresa la dejó sin timón y necesitada de dinero. Después de varios trabajos legítimos, Eunice adoptó un nombre artístico para asegurarse de que su madre pastora metodista no se enterara de que estaba tocando "música diabólica" en un bar de Atlantic City (Nina era un apodo que le dio un novio; Simone venía de la actriz francesa Simone Signoret). Después de una primera noche de intercalar canciones gospel con Bach, Czerny y Liszt en el Midtown Bar and Grill, le dijeron a Simone que tendría que cantar en el futuro si quería mantener su trabajo. Rápidamente construyó un repertorio y un seguimiento constante, lo que despertó el interés de Bethlehem Records, que lanzó su primer álbum, "Little Girl Blue". Una hermosa y tierna versión de "I Love You, Porgy" fue colocada por sugerencia de un amigo que había escuchado a Billie Holiday hacerlo, y la interpretación de Simone pronto comenzó a sonar en la radio, donde el sencillo llegó al Top 20 de las listas de éxitos del pop, pero al igual que muchos de los fichajes de Bethlehem Records, Simone no estaba de acuerdo con ellos sobre los detalles comerciales (especialmente después de descubrir que había renunciado a su derecho a regalías al recibir su anticipo), y en 1959 firmó un nuevo contrato con Colpix Records. La reputación de Simone como una poderosa intérprete en vivo solo había crecido en ese momento, y su segundo álbum con este sello en vivo, fue el primero de muchas grabaciones en directo que lanzaría, "Nina Simone at Town Hall". Las presentaciones en vivo le dieron más espacio para mostrar sus influencias clásicas del piano, y sus álbumes reflejaban un gusto inteligente por los estándares, las canciones pop y el blues de club nocturno, y aunque no disfrutó de otro éxito estadounidense del nivel de "I Loves You Porgy ", sus grabaciones de "Trouble in Mind" y "Nobody Knows You When You're Down and Out "entraron en las listas de éxitos como sencillos. En 1964, dejó Colpix para firmar un nuevo contrato con Philips, y la mudanza coincidió con un cambio en los temas de su música. 
Aunque siempre consciente de la lucha en curso por los derechos civiles, a menudo evitaba mensajes políticos explícitos en su material; como ella escribió más tarde, "¿Cómo se puede tomar la memoria de un hombre como Medgar Evers y reducir todo lo que era a tres minutos y medio y una simple melodía?" Pero a medida que la lucha por la igualdad racial se convirtió en un tema más urgente en Estados Unidos, comenzó a abordar temas de justicia social en su música, escribiendo canciones como "Mississippi Goddam", "Four Women" y "Young, Gifted and Black", esta última inspirada por el trabajo de su amiga y mentora Lorena Hansberry. Simone también disfrutó de un sencillo británico en 1964 con "Don't Let Me Be Misunderstood", y aunque el disco no le fue tan bien en los Estados Unidos, un año después, Animals llevaría la canción a las listas de éxitos de ambos lados del Atlántico. Simone llegaría a las listas británicas con su versión de Screamin 'Jay Hawkins' "I Put a Spell on You", que también llegó al Top 30 en los Estados Unidos. En 1967, después de grabar siete álbumes para Philips, llegó a un nuevo contrato con RCA Records, y aunque su primer álbum para su nuevo sello, "Nina Simone Sings the Blues", fue una colección sencilla de estándares de blues, su trabajo posterior para RCA, la encontró centrándose en material pop, rock y soul contemporáneo, gran parte del cual trataba sobre temas de actualidad y filosofías progresivas ("To Love Somebody" de 1969 incluía no menos que tres melodías de Bob Dylan). La versión de 1968 de Simone de "Ain't Got No / I Got Life" (del musical Hair) fue un exito importante en el Reino Unido, y centró sus energías en su carrera europea cuando dejó los Estados Unidos en 1970, inicialmente estableciéndose en Barbados y divorciándose de su esposo y mánager. El exilio de se debió a su creciente desilusión con la política estadounidense, así como a su negativa a pagar impuestos sobre la renta como protesta contra la participación de Estados Unidos en Vietnam, aunque las sesiones de grabación y las fechas de conciertos ocasionalmente la llevaban de regreso. En 1974, lanzó su último álbum para RCA, “It Is Finished”, y pasó los siguientes años viajando por el mundo y tocando conciertos ocasionales; no volvería al estudio de grabación hasta 1978, cuando grabó el álbum “Baltimore” en un estudio de Bélgica para el sello CTI de Creed Taylor. Ese mismo año, fue arrestada y acusada de impago de impuestos de 1971 a 1973). Pasarían otros cuatro años hasta que volviera a grabar, el corte “Fodder on My Wings” para un sello suizo en 1982. Después de varios años más de viajes, lanzó un álbum en vivo a través del sello estadounidense VPI, Live & Kickin de 1985, y Verve publicó otro concierto, “Let It Be Me”, en 1987, un año en el que disfrutaba de un importante resurgimiento de su carrera en Europa; su grabación de 1959 de "My Baby Just Cares for Me" se utilizó en un comercial de televisión británico para el perfume Chanel No. 5, y la canción se convirtió posteriormente en un éxito, llegando al Top Ten de las listas de éxitos del Reino Unido. En 1989, Simone fue invitada por Pete Townshend a cantar la canción "Fast Food" en su álbum
conceptual The Iron Man, que también incluía a John Lee Hooker. La autobiografía de 
Simone, "I Put a Spell on You", se publicó en 1990, y después de una gira de conciertos bien recibida por Estados Unidos, firmó con Elektra Records, que lanzó el álbum “A Single Woman” en 1993. En 1995, Simone se encontró en las noticias después que disparó un arma a uno de sus vecinos durante una discusión; le diagnosticaron un trastorno bipolar, que se dijo que fue la causa de varios episodios de comportamiento errático en sus últimos años. Continuó actuando en vivo en Europa y Estados Unidos hasta el verano de 2002, cuando se descubrió que tenía cáncer de mama. La batalla contra la enfermedad llegó a su fin el 21 de abril de 2003 en Carry-le-Rouet, Francia. Solo unos días antes, Simone había recibido un título honorífico del Instituto Curtis de Filadelfia, la misma escuela que la había rechazado en 1953. La vida y sus vueltas. Nina Simone fue una de las vocalistas más talentosas de su generación, y también una de las más eclécticas. Era una cantante, pianista y compositora que inclinó los géneros a su voluntad en lugar de dejarse limitar por sus límites; Su trabajo oscilaba entre el jazz, el blues, el soul, la clásica, el R&B, el pop, el gospel y la música mundial, con pasión, honestidad emocional y una sólida comprensión de la técnica como constantes de su carrera musical.

 






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poeta del PiaNo

Pianista de jazz estadounidense conocido por sus exuberantes armonías e improvisación en las letras, Bill Evans fue uno de los pianistas más influyentes de su tiempo (agosto 16 de 1929 – septiembre 15 de 1980). Su primera profesora de piano fue su madre; también estudió violín y flauta. Se graduó con el título de profesor de música en Southeastern Louisiana College en 1950 y luego se fue a la ciudad de New York. Después de un breve período trabajando como pianista, fue reclutado y tocó la flauta en la Quinta Banda del Ejército. A su regreso a la vida civil y al piano, pareció irrumpir en la escena del jazz: sus primeras grabaciones, de 1956, revelan una técnica plenamente formada, caracterizada por un enfoque armónico fresco y un fraseo sensible. En 1958 se unió a Miles Davis en lo que resultó ser una colaboración histórica de ocho meses. Evans fue una figura clave en Kind of Blue de Davis (1959), un hito en la historia del jazz y quizás el mejor ejemplo grabado de jazz modal, un estilo que evita los acordes complejos en favor de la melodía libre. La interpretación de Evans en ese álbum fue una influencia para los pianistas de jazz en los años venideros. Contribuyó con "Blue in Green" a la alineación de Kind of Blue; esa pieza se une a su posterior "Waltz for Debby" como sus composiciones más conocidas. Sus trabajos siempre se adaptaron a su propio estilo de interpretación. Luego formó un trío que se destacó especialmente por su interacción entre pianista y bajista. Este grupo lanzó los álbumes clásicos Portrait in Jazz (1959) y Explorations (1961), así como varios álbumes seleccionados de presentaciones históricas en el club nocturno Village Vanguard de la ciudad de New York en junio de 1961. Solía trabajar en grupos pequeños, pero también fue un innovador solista que aprovechó al máximo el estudio de grabación en álbumes como Conversations with Myself (1963) y Further Conversations with Myself (1967), que incluía multipistas para crear el efecto de varios 
pianos. 
La forma en que Evans conectó acordes e improvisó melodías le dio a su interpretación una cualidad romántica que contrastaba con gran parte del bebop de la década de 1950. Compositores clásicos como Claude Debussy, Maurice Ravel y Aleksandr Scriabin fueron influencias, junto con los pianistas de jazz Bud Powell, Lennie Tristano y Horace Silver. Con los años, su interpretación se volvió cada vez con más lírica. Su repertorio también fue inusual. Piezas de teatro musical como “Someday my Prince will Come” y “My Favourite Things” se convirtieron en sus manos en atrevidos experimentos rítmicos y cromáticos. Su producción en la década de 1960 se vio afectada por una adicción a la heroína, de la que se recuperó y comenzó un resurgimiento de su carrera con The Bill Evans Album (1971). Se volvió adicto a la cocaína poco antes de su muerte en 1980. En el transcurso de su carrera, ganó múltiples premios Grammy y alcanzó una gran audiencia con apariciones en televisión y festivales, así como grabaciones y presentaciones en clubes. Fue considerado el pianista de jazz más importante de su generación y tuvo una enorme influencia en músicos más jóvenes como Herbie Hancock, Chick Corea y Keith Jarrett. Desde ya, uno de los mejores pianistas de jazz de siempre! Si te gusta la buena música entonces Evans es un esencial.




 

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acróbata Del sCat

El vocalista de jazz Al Jarreau reúne varios géneros: scat (improvisación), vocalización, el gran cancionero americano, R&B, funk y soul. Un principiante tardío, su carrera despegó en la ardiente década de 1980, cuando dejó su huella con éxitos ingeniosos como We’re in this Love Together y Boogie Down; también coescribió y cantó el tema de Moonlighting (el programa de televisión que lanzó la carrera de Bruce Willis). Nacido en Milwaukee, Wisconsin un 12 de Marzo de 1940, fallecido el 12 de Febrero de 2017, cantaba en su iglesia local desde muy joven, y después de graduarse en Psicología en 1962, continuó cantando en su tiempo libre mientras trabajaba como consejero de rehabilitación. Actuando en varios clubes de San Francisco y Los Ángeles, su reputación como un notable talento vocal comenzó a crecer dentro de la escena del jazz, y en 1975 Warner Brothers Records lo contrató. Cantante y compositor que cantaba con una versatilidad e inventiva casi acrobática, desde el canturreo de tenor hasta el scatting. Su música contenía influencias de jazz, rhythm and blues, soul y gospel sin pertenecer precisamente a ninguno de esos géneros. Ganó siete premios Grammy en tres categorías musicales diferentes. Fue un intérprete virtuoso que equilibró el lirismo suave con su propia marca innovadora de vocalización y que adaptó su estilo para convertirse en una de las principales voces del jazz-fusión. Su notable rango vocal abarcó la ligereza romántica y conmovedora de una tradición masculina afroamericana que va desde Nat King Cole hasta George Benson y José James, y una agilidad de improvisación derivada del bebop como cantante de scat sin palabras que siempre reflejaba los métodos de su primer modelo de jazz, Jon Hendricks. Jarreau también podía imitar los sonidos de todo tipo de instrumentos con una precisión tan asombrosa que a menudo podía parecer un fantasmal jugador brasileño de berimbau o un batallón de percusionistas latinos que barajaban la samba pareciendo estar escondidos entre bastidores. Un grande!



de aquí a la eternidad

Tony Bennett nació como Anthony Dominick Benedetto el 3 de agosto de 1926 en Astoria, Queens, New York. Al llegar a la época de la Gran Depresión, experimentó dificultades a los 10 años, cuando falleció su padre. Asistió a la High School of Industrial Arts en la ciudad de New York, pero se retiró para ayudar con las finanzas familiares y trabajó como camarero cantante. Después de servir en la infantería del Ejército durante la Segunda Guerra Mundial, aprovechó el G.I. Bill y estudió canto en el American Theatre Wing. Durante este período, su entrenadora vocal Mimi Spear le ofreció algunos consejos que él tomó en serio: No imites a otros cantantes; sino emula a los instrumentistas. Actuando bajo el nombre de Joe Bari, Bennett fue descubierto en 1949 por Pearl Bailey, quien le pidió que abriera su show en Greenwich Village. Posteriormente llamó la atención de Bob Hope, quien le aconsejó que tomara el nombre de Tony Bennett y lo pusiera en su gira. Como Bennett le dijo a Billboard en 1997, "he estado de gira desde entonces". Firmó con Columbia Records en 1950 y comenzó a trabajar con el productor discográfico Mitch Miller. Sus primeros éxitos incluyeron "Because of You", "Cold, Cold Heart" y "Rags to Riches", su suave voz se ganó la adoración de los fanáticos jóvenes. A finales de la década de 1950, Bennett se había interesado en la creación de álbumes de jazz y se asoció con algunos de los mejores talentos del negocio. Su álbum de 1958 con Count Basie, Basie Swings, Bennett Sings, incluyó las canciones "Jeepers Creepers" y "Chicago". Si bien sus canciones eran más sustantivas en este punto, tampoco pudieron igualar el éxito de éxitos anteriores. Volvió a ser el centro de atención en 1962 con el debut de "I Left My Heart en San Francisco". Lanzada como cara B de "Once Upon a Time", "I Left My Heart in San Francisco" fue la grabación que captó la atención del público; condujo a los primeros premios Grammy de Bennett, por Mejor Disco del Año y Mejor Interpretación Vocal Solista, y se convirtió en su canción insignia. Su popularidad también allanó el camino para un éxito más inmediato, con los lanzamientos posteriores "I Wanna Be Around" y "The Good Life" llegando al Top 20. El éxito provocó algunas diferencias artísticas
entre el cantante y su compañía discográfica. Su interés por cantar material de calidad hizo que quisiera probar nuevas canciones y nuevos tipos de música, pero durante un tiempo Columbia quiso que repitiera el estilo de sus primeros éxitos. La relación se volvió aún más tensa a fines de la década de 1960, cuando la compañía intentó orientar a Bennett hacia el sonido del rock contemporáneo popularizado por los Beatles y otros artistas. Dejó Columbia a principios de la década de 1970 y pronto fundó su propio sello, Improv. Aunque grabó lo que ha llegado a ser considerado como algunos de sus mejores trabajos, incluidos The Tony Bennett / Bill Evans Album (1975) y Together Again (1976), sus canciones no lograron ganar terreno en las listas de éxitos. A finales de la década, Improv había cerrado y Bennett había dejado de grabar. La ruptura del estudio coincidió con algunos momentos difíciles para el cantante. Tras mudarse a Los Ángeles, comenzó a consumir cocaína y marihuana, drogas que eran parte integral de la escena de las fiestas de celebridades. Una experiencia cercana a la muerte en la bañera y el recuerdo de la muerte de Lenny Bruce relacionada con las drogas asustaron a Bennett para que cambiara sus hábitos. Con la ayuda de su hijo mayor, Danny, quien se convirtió en su manager personal, pudo reconstruir su vida personal y profesional. El cantante volvió a firmar con Columbia Records, y en 1986 lanzó The Art of Excellence, su primer álbum de estudio en casi 10 años. Danny Bennett se encargó de que su padre recibiera mucha exposición; Bennett padre apareció en programas de entrevistas con David Letterman y Jay Leno, hizo una aparición animada en Los Simpson y ofreció una actuación aclamada en MTV Unplugged, que le llevó a ganar un par de premios Grammy. Lanzó una serie de aclamados álbumes tributo durante este período, incluidos Perfectly Frank (1992), 
Steppin ’Out (1993) y Tony Bennett on Holiday (1997).
También se diversificó 
con un álbum de canciones para niños, Tony Bennett: The Playground (1998), y en 2002 entregó una colección de favoritos navideños con Christmas with Tony Bennett y la London Symphony Orchestra. En 2002, se asoció con k.d. Lang para grabar A Wonderful World. El álbum le valió a Bennett otro Grammy, al Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional, y estableció un estándar de colaboración que marcaría esta última etapa de su carrera. Para conmemorar su 80 cumpleaños en 2006, el cantante lanzó Duets: An American Classic, grabado con una colección de estrellas que incluía a Barbra Streisand, Elton John y Sting. El proyecto tuvo tanto éxito que creó otro álbum de celebración en 2011, Duets II. Entre los aspectos más destacados estaban "The Lady Is a Tramp", cantada con Lady Gaga, así como "Body and Soul", que resultó ser la última grabación de Amy Winehouse. En marzo siguiente, Bennett recibió un Grammy por su dúo con Winehouse, así como por Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional. También en 2012, sus fanáticos pudieron ver el interior de la grabación de Duets II y la vida del legendario cantante en el documental The Zen of Bennett. El proyecto fue una creación del hijo de Bennett, quien se desempeñó como su productor, y se transmitió en el Festival de Cine de Tribeca en abril. Más tarde ese año, Bennett lanzó su siguiente grabación, Viva Duets. El álbum de temática latina incluía canciones en inglés, español y portugués, con contribuciones de talentos tan famosos como Marc Anthony y Gloria Estefan. A pesar de tener más de 80 años, Bennett organizó una serie de conciertos para promocionar este último álbum. En septiembre de 2014, Bennett se reincorporó a Lady Gaga para un álbum de estándares de jazz llamado Cheek to Cheek, que ganó un Grammy al Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional. Al hablar de la
colaboración en una entrevista con la revista Parade, Bennett expresó lo que aprendió al trabajar con la estrella del pop: “Nadie se ha comunicado con el público más que Lady Gaga. Siempre. Confío en la audiencia y estoy muy impresionado. En lo que a ellos respecta, ella es parte de su familia. El único tipo que hizo eso fue Bing Crosby, hace años ". El crooner sin edad volvió a la voz en solitario con su próximo álbum, The Silver Lining: The Songs of Jerome Kern (2015). Un esfuerzo reducido en comparación con sus recientes dúos de alto perfil, el álbum logró un resultado similar al reclamar el Grammy al Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional en 2016. En 2018 Tony Bennett Celebrates 90 también obtuvo un Grammy en la misma categoría. También le dio por sacar libros: el primero, Tony Bennett: What My Heart Has Seen (1996), presenta una colección de sus retratos, paisajes y naturalezas muertas representados en varios medios. Siguió con The Good Life: The Autobiography of Tony Bennett (1998), Tony Bennett in the Studio: A Life of Art & Music (2007) y Life Is a Gift: The Zen of Bennett (2012). Junto con sus 18 premios Grammy, Bennett ha sido honrado por el Kennedy Center y las Naciones Unidas. También ha estado involucrado en varias causas benéficas, y en 1999 cofundó la organización sin fines de lucro Exploring the Arts junto a Susan Crow, quien eventualmente se convertiría en su tercera esposa. Junto con su música, Bennett ha cultivado un amor de por vida por las artes visuales. Sus pinturas, que firma con su nombre de pila de Anthony Benedetto, han aparecido en el Smithsonian y en el Metropolitan Museum of Art. En 1999 fundó Benedetto Arts LLC para supervisar este aspecto de su carrera artística. 
Los años avanzados han alterado un poco el tono de la célebre voz del cantante, pero no su poder, y las referencias de las canciones al paso del tiempo resultan intensamente conmovedoras. Vamos, lo que se dice un artista completo como pocos. Que desde ya, recordaremos por siempre!



 

 

 


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con S de SouL

Al escuchar a este grupo, nos transporta de vuelta a cuando la música soul dominaba la tierra y todos sabían lo que era moderno. Tower of Power (o ToP como son conocidos en algunos sitios), es una de esas bandas que ha resistido la prueba del tiempo. Después de 52 años en el juego, el legendario grupo de soul-funk continúa produciendo nueva música y gira extensamente. Aunque nació en Detroit, Emilio Castillo (tenor sax y voz) optó por perseguir sus sueños musicales en California. Fue en Oakland donde Castillo armó un grupo llamado The Motowns, que, como su nombre indicaba, se especializó en soul de la era de los sesenta. En 1967, Castillo se asoció con el saxofonista barítono Stephen "Doc" Kupka, y pronto los Motown se transformaron en Tower of Power. (Una de las primeras melodías que el dúo compuso fue "You're Still a Young Man", que eventualmente se convertiría en una de las composiciones más emblemáticas). El grupo tocó regularmente en el Área de la Bahía a finales de los años 60, ya que su formación a menudo llegaba a diez miembros, incluidos otros pilares como Greg Adams en trompeta y voz, Lenny Pickett en saxo y Rocco Prestia en bajo. Para 1970, el grupo de funk había firmado un contrato de grabación con Bill Graham's San Francisco Records, lo que resultó en el debut del grupo el mismo año, "East Bay Grease". La segunda grabación, "Bump City" sería editada bajo el sello Warner Bros, iniciando una colaboración entre la banda y la editorial que duraría un buen número de años​ y que cristalizaría en una larga lista de hits. Cuando la banda firmó con Columbia Records, las cosas comenzaron a ir
algo peor, a pesar de que el nuevo sello pagaba mejor a los músicos. Sólo el primero de los discos editados con Columbia recordaba a los antiguos Tower of Power, y al mismo tiempo, los problemas con las drogas de algunos de los integrantes, los continuos cambios en la formación y los coqueteos con la música disco, más comercial, hicieron mella en las nuevas producciones del grupo, que a pesar de ello, consigue editar 10 álbumes durante toda la 
década de los 70. Durante los 80’, la producción discográfica del grupo se reduce, mientras que la potente sección de vientos (Emilio Castillo, Lenny Pickett, Stephen Kupka, Greg Adams, y Mic Gilette) se establece por su cuenta para realizar innumerables trabajos de estudio, grabando entre otros con Elton John, Phil Collins, Santana, Toto., The Monkees, Elkie Brooks, Cat Stevens, Linda Lewis, John Lee Hooker, Rufus, Rod Stewart, Jefferson Starship, Mickey Hart, Heart, Spyro Gyra o KMFDM, Lyle Lovett, Poison, The Brothers Johnson, o Aerosmith. Los 90 vieron el retorno de Tower of Power como banda; Castillo reagrupa a todos sus músicos para lanzar una serie de potentes álbumes en la línea de sus grabaciones más clásicas, pero con una producción más moderna. Aparecen diferentes compilaciones y en 2003 aparece Oakland Zone, su último trabajo para Sony/Columbia. En 2008 la banda celebra su 40 aniversario con una reunión en el Fillmore de San Francisco, con la presencia de 20 antiguos miembros. El concierto se edita comercialmente al año siguiente junto a un CD recopilatorio titulado "Great American Soulbook". También sale al mercado "The East Bay Archive Volume I", que la banda edita bajo su propio sello, TOP Records en 2009.
En 2013, Tower of Power echó un vistazo atrás con el lanzamiento de Hipper Than Hip: Yesterday, Today & Tomorrow, que documentó una transmisión de radio en vivo desde 1974. Los miembros de la banda también anunciaron que estarían de gira en 2013 y 2014 con otros dos grandes icónicos del norte de California, Journey y Steve Miller Band. En 2018, celebraron su 50 aniversario con el álbum de estudio Soul Side of Town producido por Joe Vannelli en Mack Avenue Records. Grabado con Vannelli durante las mismas sesiones que Soul Side of Town, Step Up, el vigésimo sexto trabajo de larga duración del grupo, llegó dos años después. 
Los ritmos de funk acelerados, la enorme sección de trompetas de cinco piezas y la composición de canciones con estilo soul ayudaron a establecer el estilo de música de East Bay, conocido por introducir un poco de materia del R&B. Se caracterizan por una potente sección de vientos, que de alguna manera ayudaron a impulsar el sonido de la música con infusión de metales en la era del rock. Tower of Power siguen siendo tan vitales y llenos de funk y soul, si no más, como lo eran en 1968. La dedicación, el arduo trabajo y la conexión de la banda con los fans desde hace mucho tiempo, demuestran que una buena idea es atemporal.






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espectáculo y música combinados con alegría

Las celebridades también necesitan pasatiempos. David Arquette es un entusiasta tejedor. Paris Hilton caza ranas. Ringo Starr cree que puede pintar. Y a muchos actores les gusta colarse en un bar o club local en su salida nocturna y hacer algunos riffs lejos del resplandor de los focos. Aquí está el pianista de jazz a tiempo parcial Jeff Goldblum, que llevó su residencia semanal con la orquesta de Mildred Snitzer Orchestra en el Rockwell Table & Stage de Los Ángeles a Capitol Studios para desviar sus sonidos clásicos de scat (improvisaciones) directamente a las medias de los nans (supervivientes) del mundo, a quienes les gustó en aquella película con las naves espaciales masivas. La banda ciertamente evoca una atmósfera suelta y clandestina, con un montón de genialidad entre sonidos rebotando entre los músicos, y Jeff interpretando una especie de maestro de ceremonias de fondo. Su interpretación del piano rara vez merece el centro de la atención. Toca con un swing natural, un toque hábil y sin complicaciones. Su personaje, una especie de benevolencia suave de jazz-bar, es el corazón del espectáculo, presentando a cantantes invitadas como Imelda May y Haley Reinhart e intercambiando extrañas bromas con Sarah Silverman antes de un dúo interpretado por risas de “Me And My Shadow”. 
Teniendo en cuenta que es un hombre que sabe moverse con uno o dos dinosaurios, su repertorio es virtualmente jurásico; su trabajo musical está lleno de estándares tan de hoja perenne que son demasiado grandes. La banda los entrega con tal afecto que su disfrute es contagioso, y hay momentos aquí de verdadera magia. En su segundo disco "I Shouldn't Be Telling You This", Goldblum interpreta "Driftin" de Herbie Hancock y "The Cat" de Lalo Schifrin, y es aquí donde su piano se manifiesta con mayor claridad, halagado por arreglos ligeros y espaciosos y valores de producción rompedores. Tiene un gran alcance y no es reacio a lanzar alguna voz extraña e inusual. Sin embargo, sorprenderá a los recién llegados que él tampoco sea el cantante principal; los invitados incluyen a Sharon Van Etten, Fiona Apple, Miley Cyrus y Gregory Porter. Pero hace un encantador y cansado "Little Man You’ve Had A Busy Day" justo al final, con ese pequeño problema en su voz que lo hace único. Un álbum quizás algo más coherente que el primero, Capitol Studios Sessions, como tal vez lo indique el título ("I Shouldn't Be Telling You This"), la nueva carrera de Goldblum parece estar muy bien encaminada. Divertido cuanto menos! 




 

 
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anónimos

Casi no hay información sobre Sault
Son un colectivo musical con raíces de R&B cuyos álbumes "5", "7" y "Untitled (Black Is)", lanzados durante un período de 13 meses en 2019 y 2020, han integrado numerosos estilos, incluido el soul psicodélico retro-moderno, el funk post-punk revoltoso, el afro beat, y pop deliberadamente oblicuo. El grupo británico, baila de la tristeza a la resistencia, mezclando letras sin miedo con house, funk y disco. En los últimos dos años, su música ha llegado de la nada: sin entrevistas, sin fotos, sin videos, sin presentaciones en vivo, sin entrada en Wikipedia, una presencia superficial y completamente no interactiva en las redes sociales. Las copias físicas de sus primeros álbumes han acreditado a Inflo como productor, también conocido como el productor de Área Gris de Little Simz y co-guionista de Black Man in a White World de Michael Kiwanuka, cada uno de los cuales le valió un premio Ivor Novello. Kiwanuka obtuvo un crédito de artista invitado en su último álbum, Untitled (Black Is), lanzado en junio. También lo hizo Laurette Josiah, la fundadora de una organización benéfica para niños en el norte de Londres, que resultó ser la tía de Leona Lewis. El único otro hecho disponible es que las ganancias del último álbum "Untitled (Rise)" lanzado hace apenas unos días, se destinarán a fondos de caridad". Las especulaciones sobre los otros miembros del colectivo no se han confirmado ni negado, ni nadie se ha atribuido la responsabilidad de la música que hasta ahora ha sido recibida con entusiasmo entre el público. Sault es un colectivo de música británico, anónimo que hace una mezcla de r'n'b, house y disco y que a pesar de los elogios de la crítica, evitan la interacción con los medios. Sin embargo, ellos parecen usar el tiempo que ahorran, al no promocionar sus álbumes o interactuar con el público, de manera rentable. Sus letras tienen una gran variedad desde la composición, que pasan fácilmente desde lo afectivo, al dolor, a la oposición, a la elevación. Pura expresión actual. Al escucharlos, de inmediato te das cuenta de que estás en presencia de algo especial.



 


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Cole del siglo XXI

En su ascenso seguro y constante al estrellato, el gran y genial Gregory Porter se ha consolidado para quedarse.
El vocalista barítono ofrece una actuación virtuosa mientras entrega sus letras profundamente personales y a su vez en ocasiones, rinde homenaje a los grandes del jazz. Nació en Sacramento y creció en Bakersfield, California, donde su madre era clériga y quien fue una gran influencia en su vida, habiéndole animado a cantar en la iglesia desde una edad muy temprana. En 1989 se licencia en la Highland High School y recibe una beca atlética para la Universidad Estatal de San Diego. Pero una lesión de hombro durante su primer año de instituto acabó con su carrera de fútbol americano.​ Después se traslada al Bedford-Stuyvesant de Brooklyn en 2004, junto con su hermano Lloyd. Trabajó como chef en el restaurante de Lloyd, donde comienza a actuar. Aparte, también actúa en otros locales del barrio, incluyendo Sista's Place y Solomon's Place y además del club Harlem, St. Nick's Pub, manteniendo una actuación semanal. En esa época publicó dos álbumes con el sello Motéma, en 2010, Water y en 2012, Be Good, antes de firmar con Blue Note RecordsLiquid Spirit, fue publicado en 2013. El álbum ganó en 2014 el Grammy a Mejor Álbum Vocal de Jazz.​ Disco con el cual disfrutó de un gran éxito comercial que pocas veces se ha conseguido dentro del género de jazz, logrando llegar al Top 10 en las listas de álbumes del Reino Unido. Fue concedido el disco de oro por la 
British Phonographic Industry al vender más de 100.000 unidades en el Reino Unido.​ En agosto de 2014 Porter publicó The 'In' Crowd como single.Su cuarto álbum, Take Me to the Alley, fue publicado en 2016, disco que le llevó a ganar su segundo Grammy como "Mejor Album de Jazz Vocal". En 2017 lanza el disco "Nat King Cole & Me", álbum homenaje al cantante que le inspiró y marcó desde pequeño. En Agosto de 2020 lanza su sexto álbum de estudio "All Rise". Desde su debut el cantante de soul y jazz, ha sido bien recibido por la prensa musical. The New York Times lo describió como "un cantante de jazz de presencia emocionante, un barítono con un regalo de refinamiento primario". Da una gran sensación de intemporalidad que refleja los talentos experimentados de los gigantes del blues, el gospel y el soul que tanto han influido en él a lo largo de su carrera. Con una voz que puede acariciar, abrazar o enfrentar, presenta un grado increíble de maestría vocal. Siempre lleva una gorra plana modificada, en sus apariciones públicas. En una entrevista con Jazzweekly, cuando fue preguntado sobre "el gorro extraño y encantador" Porter respondió, "he tenido alguna cirugía en mi piel, así que esto fue para buscar un look provisional y ha continuado después. Las personas me reconocen por él ahora. Eso es lo que es. Simple y con marca propia.  

 

 



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de película

Nacido en Roma un 10 de noviembre de 1928, Ennio Morricone vivió una
 infancia humilde marcada por la influencia de su padre Mario, trompetista que solía tocar en clubs nocturnos de la época y en una orquesta en Riccione durante las vacaciones de verano. Fué allí donde su padre le animó a que escribiese su propia música con tan sólo 6 años de edadPoco tiempo después, el joven Morricone empieza, acompañado de su padre, a tocar el mismo instrumento para poder ganar dinero para la familia, a la vez que estudia en el Conservatorio de Música de Roma, donde tendrá como profesor a Goffredo Petrassi que le inspirará en su obra posterior. Empieza en el mundo de la música profesional, trabajando como arreglista para el sello RCA Victor. Allí trabaja en numerosas canciones, siendo “Se Telefonando” de Mina y “Ogni Volta” las más célebres, convirtiéndose en superventas.
Tras trabajar en una serie de películas haciendo arreglos y participar en el Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza (centrado en música experimental), su trayectoria da un giro gracias a la llamada del director Sergio Leone. Con una carrera compositiva sobresaliente, Morricone no es otra cosa que un prócer en la escena artística mundial. Con una trayectoria en la creación musical para proyectos audiovisuales que inició sin mayores pretensiones en 1961 con El federal, el director orquestal italiano logró establecerse a la vanguardia en lo que refiere a las bandas sonoras y su trascendencia más allá de la mera pantalla. Fue particularmente en las películas western de Sergio Leone donde finalmente “Il Maestro” encontró su boleto dorado en dirección a la fama. Poco después de su debut, obras como Por un puñado de dólares (1964) y El bueno, el feo y el malo (1966), fueron las responsables de sus primeras ovaciones internacionales. Aplausos que no cesaron nunca más. 

Ahora bien, la verdadera coronación para el director europeo no llegó sino hasta la década de los ochenta, con películas como Días de gloria, La misión, Cinema Paradiso y Los intocables de Eliott Ness. Con ellas, aparecieron las primeras grandes nominaciones, la apreciación de su talento fuera de la típica sonoridad del viejo oeste y, en definitiva, el quiebre que lo posicionó como el gran ícono de la música popular. Sin embargo, más allá de los ostentosos galardones y emblemáticos nombramientos que recibió Morricone a lo largo de su trayectoria, que van desde premios Grammy, Globos de Oro, BAFTA o León de Oro, hasta reconocimientos de caballería tanto en Francia como en Italia y medallas pontificias entregadas por el mismísimo Papa; su mayor contribución radica en el establecimiento de un paradigma cultural: su música trasciende del cine e impacta directamente en la imaginación  colectiva. 
En definitiva, el director logró alcanzar el mayor éxito comunicacional al que puede aspirar un artista con su audiencia. Uno en el cual una simple tonada genera una comprensión compartida e indiscutible del mensaje. Uno donde el desértico paisaje del viejo oeste con un estepicursor atravesando la carretera no es solo visual, sino también melódico. Las obras del compositor rebasaron la concepción de música como mera sonoridad, para convertirse directamente en simbolismos. Asimismo, como consideró el jurado calificador del reconocimiento Princesa de Asturias de las Artes 2020, Morricone tuvo la “capacidad para transmitir imágenes y sentimientos, además de evocar, a través de la música en las pantallas y de contribuir, asimismo, a historias inolvidables”. Y es que el compositor era un prodigio. Un artista singular con una aptitud de apreciación distinguida, capaz de encontrar sonido en elementos poco convencionales, como látigos, campanas o chiflidos. Contaba con una distinción sensitiva que lo llevó inclusive a involucrarse en la escena más pop, con Sting y los Pet Shop Boys. El director europeo era una mente maestra que perpetuaba perfectamente la esencia del arte como medio de expresión. Por esto, con el paso del tiempo, la música de Morricone se convirtió en algo difícil de encasillar. Il Maestro tenía momentos armónicos y celestiales como en On Earth as it is Heaven; de intensidad y epopeya en The Ecstasy of Gold; y otros pacíficos, dulces y románticos como en Nuovo Cinema Paradiso. Su estilo se hizo indescifrable, pues su sonoridad no respondía a un cómo, sino a un qué. A la razón íntima y vulnerable del mensaje. En definitiva un mortal que se transformó en leyenda. 
Vale cerrar los ojos, relajarse y desconectar un poco. 
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jaZz SuiZo mon amour

Pianista y compositor suizo, nació el 16.12.1956 en Romont, un pequeño pueblo del cantón de Friburgo. Forjador de melodías cargadas de poesía. Fue a los 5 años que inició sus estudios de piano y ya los 7 que decidió hacer de él su profesión y su vida. Continuó sus brillantes estudios de piano y música clásica hasta los 21 años, mientras desarrollaba una gran pasión por el jazz. Recién a los 15 años escuchó por primera vez al hombre que se convertiría y seguiría siendo su pensador maestro durante mucho tiempo: Bill Evans. De hecho, encontró en la música de este pianista el vínculo perfecto entre la música clásica y el jazz. Así es como Thierry Lang encuentra su modo de expresión musical. Compositor dotado de un gran sentido melódico, rápidamente se consolidó como uno de los maestros en el campo. En 1986 actúa con varios grupos, en clubes de jazz de su país y se codea con muchos músicos de diferentes orígenes y estilos musicales. Aprende su profesión acompañando a músicos de Blues, BeBop o Mainstream. En 1987 es cuando arma su primer trío, a través del cual pudo compartir su brillante técnica y fuerte sentido de la melodía con un público más amplio, que comenzó a reconocer los rasgos característicos de su firma musical. Durante una gira por Estados Unidos en 1996, conoció a Jim Beach (mánager de Queen), quien posteriormente se convirtió en su propio mánager. Gracias a esta colaboración, se convirtió en el primer músico suizo en fichar contrato con el famoso sello Blue Note Records.
Sus tours y grabaciones le han hecho famoso alrededor del mundo.
Entre otros premios, en 1999 y 2000, recibió el de "pianista del año" otorgando por la revista Jazz'n more.
En el año 2000, siguiendo el consejo de su mánager, realiza una grabación en solitario de determinadas composiciones de Freddie Mercury, el famoso cantante del grupo Queen. Su versión del título "Guide me Home ”(también el título del álbum) se convirtió en un "must" para todo el mundo. En 2008 fue galardonado como Doctor Honor y Causa de la Universidad Europea. En 2013, creó un nuevo trío con el que grabó su disco “Serenity” (Universal) en el que cambió el color de su habitual trío de jazz cambiando el bajo por percusión. Durante 2016, el año de su 60 cumpleaños, estuvo ocupado en todos los frentes: Giras de conciertos en Japón y Europa, Grabación a dúo de un disco con su fiel compañero Heiri Känzig para celebrar los 25 años de colaboración juntos. Composición de una nueva creación “Emotions”, diez composiciones originales para cuarteto de Jazz y Sine Nominé, el célebre cuarteto de cuerdas clásico. En 2017 con el contrabajista estadounidense Darryl Hall y el baterista austríaco Mario Gonzi, fundó el "Trío Heritage" con el que revive las páginas más bellas de la historia de los estándares del jazz. En 2018 compone la música de su nueva creación "One Note One Word" cuyo estreno mundial se dió el 22 de febrero de 2019 en el Théâtre l'Equilibre de Friburgo, mismo año en el que realiza varias presentaciones junto al vocalista belga David Linx. Es considerado mundialmente por estar entre "la crème de la crème" del jazz europeo
A Thierry Lang no le gusta la palabra 'jazz'. Prefiere ver su música sin ataduras, una constante entre los músicos de un género que se basa en la experimentación, la libertad y la improvisación. Su lugar estaría más bien entre el jazz y la clásica, entre Keith Jarret y Chick Corea, creando una música con un considerable poder sugestivo. Su arte reside en la atención amorosa a la melodía, a las variaciones armónicas a veces casi imperceptibles, envueltas en un sentido de la progresión sutil, ágil cuando la pieza lo reclama. Destaca por su elegancia al interpretar y exquisitez a la hora de elegir repertorio. Sensibilidad total y buen gusto para disfrutar deliciosamente con todos los sentidos!

duo Maravilla ♫

un tesoro que encontré navegando..

"Crooners" legendarios.
Uno oriundo de una pequeña localidad de Ohio y el otro de New Jersey, aunque cantase frecuentemente en New York. Ambos con algo en común: una tendencia irrefrenable hacia las fiestas y los excesos. Evidentemente, sólo podríamos estar apuntando a Frank Sinatra y Dean Martin. Frankie y Dino para los amigos. Para todos conocidos como: el gran par de amigos que, sobretodo, se divertían mucho cuando cantaban juntos. Parece ser que Frank siempre fue el "fiestero", el que animaba a Dean cuando este no estaba muy por la labor de pisar un escenario. Fué durante los años 50's donde los dos se encuentran pletóricos, probablemente en el momento más álgido y próximo de su amistad, además, de un momento dulce para sus respectivas carreras. 
Divertidos por demás! Para ver una y otra vez y no parar de reír :)

 

 



>Dou bi du bi du..♫



And remember: everybody loves somebody

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voz ronca sin igual

John Robert Cocker, conocido artísticamente como Joe Cocker, nació en Sheffiel, Inglaterra, el 20 de mayo de 1944. Cuando apenas era un adolescente, estuvo en diversas bandas, las cuales le forman la disciplina y el amor por la música y el canto. La futura estrella trabajó un tiempo como fontanero, pero, paralelo a este trabajo, en las noches se dedicaba a su pasión, que era cantar en centros nocturnos, donde versionaba las canciones de los Beatles, y artistas del Soul como Ray Charles. Los frutos de su esfuerzo no se harían esperar. Cuando publica el single “With a Little Help from My Friends”, la guitarra de este sencillo fue grabada por Jimmy Page, guitarrista de la banda legendaria Led Zepellin. En el año 1969, es invitado a participar en el festival “Woodstock” donde en medio de toda una demostración de mezclas de cantante de rock y blues hizo vibrar al público, y se ganó la admiración de muchos, y de allí realiza su primera gira por los Estados Unidos, recibiendo millones de aplausos y gran éxito. De vuelta a Inglaterra, edita su álbum titulado “Joe Cocker”. Gracias a este álbum obtiene un lugar importante en la historia de la música, ya que lo catapulta a un éxito sin precedentes. Con este álbum, la estrella decide realizar una gira para promocionar dicha producción, la cual duró dos años. Cuando en el año de 1970, lanza el álbum “Mad dogs and englishmen”, temas como “Cry me a River”, “Feelin’ alright” de Dave Mason, y “The Letter”, se convirtieron en éxitos rotundos en los Estados Unidos, ocupando los primeros lugares de las listas de ese país, siendo además la más radiadas en las emisoras americanas. Entre los años 1971 y 1974, el cantante abrazó el drama de las drogas y el alcochol, se recuperó y volvió con fuerza. En este período lanza varios álbumes, entre los cuales mencionamos “I Can Stand a Little Rain”, “Stingray”, “Jamaica”, y “Say You Will”. Estos álbumes no tuvieron gran éxito, pero arrojaron algunos éxitos como “Fun Time” y “You Are So Beautiful”. Con el álbum “A luxury you can Afford”, año 1978, renace de las cenizas Joe Cocker, ya recuperado de las adicciones. Este álbum incluiría éxitos del cantante, así como temas nuevos. A este álbum le sigue “Sheffield Steel”, aquí el cantante interpreta temas donde fusiona el Rock y el Soul. Su dúo con Jennifer Warnes, de la película "Oficial y un Caballero" alcanzó el número uno y ganó tanto un Grammy como un Oscar. Fué honrado con la Orden del Imperio Británico en 2007. En el documental Mad Dog With Soul se captura todo el alcance de sus excesos con la bebida y las drogas y la magnitud de su extraordinario talento, mientras sus colaboradores y su familia pintan un retrato sin límites del superviviente de voz tan poderosa. Joe Cocker fallece en su lucha con un cáncer de pulmón el 22 de diciembre de 2014, a los 70 años de edad. El extraordinario artista británico nos deja un asombroso legado musical de más de 40 álbumes exitosos e impregnados de su maravillosa voz rasgada e hiperactiva

british jaZZist

Existe una larga tradición de artistas jazzísticos, reconstruyendo estructuras de canciones pop modernas en stándares de jazz. Los hay muchos que satisfactoriamente consiguen estilizar el jazz al pop y el siguiente artista es grande, haciendo justamente eso. Pianista, compositor, cantante y a veces presentador de radio, Jamie Cullum es un gran representante del jazz actual británico. Lleno de acción, "entertainer" y músico consumado, surgió en 1999 para convertirse luego en el artista británico de Jazz más vendido de la historia inglesa. Muy experimental, interesante y convincente, fusiona en torno al ritmo del piano, retro-jazz, con pop y algunos toques de rock según entre sus humores varios. Sus interpretaciones son impresionantes. Está considerado una de las mejores voces del pop-jazz actual. A su voz, el artista británico une unas grandes dotes de "showman", la capacidad de alternar buena música y animación y un extraordinario dominio del piano, que toca tanto sentado como subido a la tapa, y que también utiliza como instrumento de percusión. Desde luego, no es un "crooner" clásico como se le etiquetó al principio de su carrera.
Jamie Cullum es internacionalmente conocido por la particular mezcla de pop, jazz y soul de sus canciones, ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo, ha trabajado con artistas de la talla de Stevie Wonder, Pharrell o The Roots, y es considerado uno de los principales referentes del jazz vocal actual. Ciertamente, es un compositor ecléctico con más que suficiente velocidad y energía creativa que le mantendrá en vigencia por mucho tiempo más.









www.jamiecullum.com

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instumentally Jazz

Este post trata de un instrumentista de jazz contemporáneo, proveniente de Oregón, Estados Unidos.También es un virtuoso compositor y un carismático ejecutor. Desde el lanzamiento de su primer álbum como solista en 1995, ha creado una serie de grabaciones que lo han colocado dentro del reino del jazz contemporáneo. Mediante esta singular combinación de lujosas atmósferas y detalladas improvisaciones, Chris Botti se ganó la aclamación de la crítica y el aprecio de las masas. Veterano en el mundo del jazz contemporáneo y corriente principal de la escena del pop de estudio, tiene una colección de bellas interpretaciones, que abarcan géneros tan diversos desde la ópera clásica hasta la música cinematográfica, pasando por standards de jazz tradicional. Su música es más intimista, porque no tiene el formato del pop. Pero esta calidad atmosférica es la que realmente ama del jazz, y ha intentado enlazar este sentimiento con las texturas y las melodías que se pueden oír en sus trabajos. Viniendo a la fama de poco a poco, Botti se ha ido estableciendo con una reputación de músico versátil tanto en el jazz como en la música pop, por su habilidad para fusionar ambos estilos. Se ha caracterizado por hacer sonar la trompeta de una manera muy suave con un sonido delicado y bien trabajado, a lo largo de su basta experiencia a pesar de su corta edad. Botti ha logrado volver a capturar a un público nuevo hacia los teatros y salas de conciertos, acercándolos a la esencia del jazz y del smooth jazz, llenando cada sitio donde se presenta. Además ha sido partícipe de numerosas colaboraciones con una gama muy amplia de artistas reconocidos en el medio, posicionándolo como uno de los artistas mas solicitados de la actualidad. En los últimos 30 años ha trabajado con íconos como Sting, Barbra Streisand, Josh Groban, Michael Bublé, Paul Simon, Joni Mitchell, John Mayer, Andrea Bocelli, Joshua Bell, Steven Tyler de Aerosmith e incluso Frank Sinatra. Su repertorio abarca el jazz y la música clásica, pero, en esencia, cuando se habla de un gran improvisador o alguien con gran dominio de un instrumento, los principios fundamentales del mismo se basan en la música clásica. Aunque se estudie esa música pero luego se derive al jazz, la arquitectura del instrumento es muy similar. Suave, íntimo y elegante a escuchar y disfrutar lo recomiendo ♫

chillin' Stones

Mezclando música de un mito, como los Rolling Stones, con el espíritu de la Bossa Nova y la Electrónica Contemporánea. Una propuesta que rescata la música de finales de los 60’s y 70’s en una versión única que fusiona los ritmos seductores del Brasil con los beat contemporáneos de la electrónica. De esta forma nació Bossa n' Stones, un disco donde una de las fuentes más ricas y populares de las que bebe la cultura Rock adquiere una sutileza que realmente marca un hito en la música del siglo XXI con este disco al situarse en un lugar perfecto entre la tradición de la Bossa Nova y el Chill Out. Clásicos de la banda inglesa, en unas novedosas y originales interpretaciones fusionadas en Chill Bossa, desarrollan un producto melódico único en su género. Un disco sencillo y aunque no hay nada como el Bossa original, hay alguna ocasión que apetece terminar el día con una copa en mano, sonidos diferentes..♫ and just chillin' a BeAT



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quEEn of souL

Lo más importante sobre la siguiente artista, es su abrumador poder y su intensa entrega vocal. Dentro de la cultura Pop que identifica a cantantes femeninas con gentilidad, docilidad y sentimentalismo, su voz sopló enormes ráfagas de aire fresco.
Aretha Franklin creció con la música Gospel; su padre era el pastor de una gran congregación Bautista en Detroit, USA. Su primer disco fué como cantante Gospel, a sus 14 años de edad, estilo con el que ocasionalmente retomó en medio de su carrera como cantante Pop.
Franklin no solo ha sido intérprete vocal en sus discos sino también parte fundamental en todos los aspectos de sus producciones. Escribió y co-participó en la mayor parte de su repertorio. Poderosa con su teclado, su gran habilidad con el piano, se escucha genial en muchas de sus grabaciones. También proporcionó arreglos vocales, dando color por la tradicional herencia recibida del Gospel con el que creció.
Simbolizó el poder femenino no solo con los sonidos de sus discos sino también en el proceso de producción de los mismos. La fuerza de sus interpretaciones movió sus canciones a través del campo de las relaciones personales hasta las esferas políticas y sociales. Especialmente en el contexto de los tardíos años 60's, con los derechos civiles, el movimiento de la raza negra por todo lo alto, y el movimiento de agitación del poder femenino, no era difícil escuchar una profunda sensibilidad en los discos de la extraordinaria Afro-Americana. Aunque nunca fué figura política, hizo profundas declaraciones políticas y sociales en muchas de sus performances.




www.aretha-franklin.com/

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mArdi gRas

El de New Orleans quizás sea uno de los carnavales con mayor swing del mundo.
De eso sabe mucho la ciudad del Mississippi. La historia del Mardi Gras se remonta a la época en que Louisiana fue conquistada por los franceses. Pero la música llegó después. Los ritmos "creole" que recuerdan a los ancestros africanos ya se oían allí a mediados del siglo XIX. La repetitiva música cajún con mezcla de orígenes europeos. Y luego el mestizaje de todos los sonidos que se sedimentaron en la ciudad de la bahía. La ciudad de New Orleans y las áreas circundantes siempre han sido un centro musical regional. Gente de diferentes naciones de África, Europa y Latinoamérica contribuyeron al rico patrimonio musicals. En la era colonial de Francia y España, los esclavos tenían más libertad de expresión cultural que los de las colonias inglesas que luego se convertirían en los Estados Unidos. En las colonias protestantes, la música africana era vista como "pagana" y era comúnmente suprimida, mientras que en Louisiana era aceptada. Las celebraciones musicales africanas se siguieron celebrando en "Congo Square" hasta por lo menos 1830, a las que también asistían blancos interesados. Además de la población esclava, New Orleans también tenía la mayor comunidad de gente de color libre en Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación y usaban instrumentos europeos para ejecutar música europea y sus propias canciones de folk.
De acuerdo con muchos músicos que recordaban la época, las figuras clave en el desarrollo del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista Buddy Bolden y los miembros de su banda. Bolden es recordado como el primero en tomar el blues -hasta el momento una música folclórica cantada y acompañada por instrumentos de cuerda o armónica- y arreglarlo para instrumentos de metal. La banda de Bolden tocó blues y otras canciones, "variando la melodía" constantemente (improvisando), creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron imitados por muchos otros músicos. Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban New Orleans remarcaban la habilidad de las bandas locales para tocar "ragtime" con una vitalidad que no se escuchaba en otros lados. Las características que apartaron el temprano estilo de Nueva Orleans de la música ragtime que se tocaba en otros lados fue la mayor libertad en la improvisación rítmica. Los músicos de ragtime le daban un ritmo sincopado y ejecutaban una nota dos veces (a la mitad del valor de tiempo), mientras que el estilo de New Orleans usaba una improvisación rítmica más intrincada a menudo colocando notas lejos del golpe tácito. Los músicos del estilo de New Orleans también adoptaron mucho vocabulario del blues, incluyendo notas dobladas, notas de blues y "gruñidos" instrumentales no usados en los instrumentos europeos.
La celebración de Mardi Gras está entre las más grandes y famosas del mundo. La temporada del Carnaval en New Orleans, comienza el 6 de enero, la noche de Epifanía. Desde ese día, se empiezan a ver carrozas, bailes de máscaras y los famosos "king cake". Los colores tradicionales de Mardi Gras son el morado (justicia), dorado (poder) y verde (fé). Dos semanas antes del Martes de Carnaval, se puede observar un desfile diario. Los desfiles y las celebraciones de mayor colorido y elaboración tienen lugar los últimos cinco días de la temporada. En la última semana del carnaval, se suceden muchas actividades a través de New Orleans y las comunidades vecinas... Definitivamente un carnaval distinto pero com mucho ritmo......♫



http://www.mardigrasneworleans.com/

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